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Mozart 弦楽四重奏曲 楽譜比較

ベーレンライター社の原典版は1962年に出版されていますが、Moserによるペータース版も現在まで100年以上にわたり広く使われてきました。この二つの楽譜を比較しました。

ペータース版

まず、ペータース版の特長について考えたいと思います。校訂はAndreas Moser(1859 – 1925) と Hugo Becker(1864-1941)によるものです。Moserはヨハヒムに師事しましたが、腕の病気のため演奏家を諦めヴァイオリンの教育者の道を選び3巻のヴァイオリン奏法など多くの実績を残した方です。

  • Beethoven: String Quartet Op 59 No 1 (with Joachim) (Peters, 1902).
  • Beethoven: String Quartets, Op 127, 130, 131, 132, 133, 135 (with Joachim and Hugo Dechert) (Peters, 1901).
  • Haydn: 30 String Quartets (with Hugo Dechert) (Peters, date unknown).
  • Mozart: 10 String Quartets, K. 387, 421, 428, 458, 464, 465, 499, 576, 589, 590, (with Hugo Becker) (Peters, 1882)

Hugo Beckerは有名なチェリストであり弦楽四重奏以外にもイザイ、ブゾーニとピアノトリオ、シュナーベル、カール・フレッシュなどとピアノ三重奏団を組織しています。

出版は1882年ですから大分古いのですが、当時最高の演奏家、音楽家によって校訂されておりペータースの楽譜には当時の弦楽器の奏法や演奏習慣がしっかりと保存されていると言えます。

ペータース版はベーレンライターの原典版が出版されるまで、世界中で広く使用されていた楽譜です。

ベーレンライター版
1940年代から原典に回帰する動きがHenle社などにより広まりいわゆる原典版が広く使用されるようになりました。
作曲家が直接かかわったとされる資料を比較検討して、最も適当と思われる版を作ろうとする作業です。何々社原典版と呼ばれ、原典版は出版社によりみな異なります。

モーツァルトの弦楽四重奏について、ベーレンライターの序文によれば、英国博物館にある自筆譜と初版を原典として使用しております。6曲のハイドンセットについては自筆譜と初版には多くの相違点がありますが、初版のための修正はモーツァルト自身が自分で行ったか、深く関与したと考えられるので、原則として自筆譜に寄っています。初版のデータを使用した場合には脚注にその旨を記述しています。(但しスコアだけであり、演奏譜には記述はありません。)

 

それでは弦楽四重奏ト長調 K387 「春」を見てみましょう。見比べていると原典に対してどのような改定が行われたかが推測できるようになると思います。一般的に、フィンガリング、ボーイングは作曲家によって指示されることはほとんどありません。

 

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ラズモフスキー 第1番 2楽章の チェロのsotto voceの意味は

雑談中に「ラズモフスキー第1番の3楽章のチェロにsotto voceがついているところがある。ほかについていないのだけどなぜだろう?」 97小節から始まる美しいチェロのメロディです。このメロディは24小節でもチェロで歌われますが、そちらはespressivoです。ほかの部分でもsotto voceは書かれていません。

beethop-59no0301図1 97小節Vc
 

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ベートーヴェン ヴァイオリンソナタ 第6番 イ長調 Op.30-1

ベートヴェンのヴァイオリンソナタ 全曲を演奏会で取り上げている友人と演奏機会があったので6番をお願いしました。初期から中期の様式を確立する過程の作品群として、果たしてどのように演奏するか色々考えていたのです。

ベートーヴェンは当時耳の病に悩みながらも、音楽家としての成功を強く望んでいました。だから成功しなければならない作品と自分の書きたい音楽の間には温度差があったのだと思います。従って交響曲のような作品では第1番(Op.21)、第2番(Op.36)ではハイドン的な要素を踏襲して危なげのない成功をもくろんだのだと思います。

従って、自分の書きたい作品、実験的な作品は小編成の作品で始められたと思います。例えばピアノソナタでは、O.13の悲愴ソナタのころから実験的というか、ロマンティックな傾向が表れています。

交響曲を書くためにも、室内楽で色々試してから取り掛かるベートーヴェンの慎重さが現れています。

だからこの6番のソナタにしても彼が考える新しい様式が人々に受け入れられるかどうかを、少しづつ試しているのだと思います。

このような事情を考慮すれば、6番を演奏するときにはかなり前向きな、ロマンティックな表現をしてゆくのが正しい解釈のような気がします。

但し、中期を超えた時点のような演奏になってはいけないのだとも思います。

 

第1楽章: Allegro
提示部
1-19 第1主題 提示
20-33 経過部1
34-49 第2主題
49-67 経過部2
67-83 結尾部

展開部
83-94 第1主題による展開。cresc. f, decresc.に意味がある。
95-102 第2主題による
102-114 第2主題の動機による展開
114-118 第2主題の動機と経過部2による展開
119-150 第1主題の動機と結尾部を組み合わせた展開

再現部
150-168 第1主題 提示
168-186 経過部 多少変形されている
187-202 第2主題
202-220 経過部2
220-234 結尾部

234-249 コーダ

2楽章:

1-16 主題Aの提示と確保
17-26 主題B
27-43 主題A
44-51 主題C
52-63 主題D
64-78 主題Aの提示と確保
79-91 主題E
92-105 結尾部

3楽章 Allegretto con Variazioni

主題:2部形式

第1変奏:和音を保持した性格変奏
第2変奏:装飾的変奏
第3変奏:動機による性格変奏
第4変奏:ピツィカートを使用した性格変奏
第5変奏:短調による変奏と第6変奏への幻想的な序
第6変奏:1-32長調による変奏曲。全曲の終曲としての自由な変奏。

バッハの演奏解釈

バッハのヴァイオリンソナタ第1番 ロ短調 BWV1014 を弾いてみようと思うのですが、どうしてよいかわからないのです。バロックの作品の演奏解釈となると、装飾音のことなどが話題に上りますが、現代ではほぼ解釈の方法が確立しているような感じです。装飾音や、和声の問題は知っておくべき常識のようなもので、わきまえている必要は大いにありますが、バロックだからと特別に解説するようなことは少ないと思います。

音楽は作曲から徴収へのメッセージですが、バロックの時代には、もちろん音楽が芸術だという感覚は実用的な用途に合うように作曲されたものであり、宗教音楽では、宗教的な儀式をより効果的にするため、そして世俗的な曲については聴衆を楽しませるために作曲されたものです。

古典派以降の音楽はクラシックという確立した様式を基礎にしているので、道筋の立った手法があると思いますが、クラシックの様式をバロックに使用するのは無理なことだと思います。そのような意味でどうしてよいか迷っています。

とりあえず1楽章から手を付けることにします。Adagio

第1部
1-11  冒頭の4小節は主題の提示というよりも、バスとチェンバロの右手によるパターンの提示のようです。6小節のVnによる16分音符によるフレーズでe-mollに転調します。そして8小節のVnによる16分音符によるフレーズでh-mollに転調し、11小節でしっかりとh-mollで終止します。

しかし12小節からはfis-mollにすぐ転調します。その後VnによるダブルストップのフレーズがA-durで始まりf-mollに転調して20小節でf-mollで終止します。

第2部 20-31
第1部は20小節で終止しますが、同時に冒頭のリズムパターンがチェンバロにより提示され、21小節で同じパターンがヴァイオリンとバスに引き継がれます。これで冒頭に戻ったような形式感があらわされています。ここからは冒頭のパターンを縮小したような形で使用して、少し切迫した感じが出ています。そして27小節から前半で使用したヴァイオリンによるフレーズが始まり31小節でh-mollに終始します。

コーダ 31-36
31小節h-moll,32小節e-mollで冒頭のパターンを変形して再現したところで、ヴァイオリンの印象的なソロに続いてしっかりと曲を終わらせます。

どのように演奏したかは演奏が終わった後ご報告します。

第2楽章 Allegro

BachVnSonataBWV1014-0101

テーマの扱い方を見てゆきます。

第1部:提示部

1-4 h-mollによる提示(Vn)
5-8 fis-mollによる提示(Cem)
12-15 h-mollによる提示 (Bass)
15-26 テーマに続く音型を使用した自由な経過
27-40 h-mollによる提示(Vn)と自由な展開

第2部:テーマの展開
41-52 テーマの冒頭を和声的に使用した自由な展開
52-61  Bass(d-moll),Cem(a-moll),Vn(e-moll)によるテーマの提示
62-102  冒頭の音型に導かれた自由な展開。89小節からはfis-mollでCem, Vnの順でテーマが現れてfisが長く演奏されて調整の安定が図られて、101小節でfis-mollで終止する。そのごバスに導かれて再現部が続く。

第3部:テーマの再提示
102-105 h-mollによる提示(Vn)
106-109 fis-mollによる提示(Cem)
113-116 h-mollによる提示 (Bass)
116-126 テーマに続く音型を使用した自由な経過
126-141 h-mollによる提示(Vn)と終止。

上記のように明確に3部分に分けられており、第3部は第1部と同じ構造です。

このような構造ならば

 

ブラームス ピアノ五重奏曲 Op.34 第1楽章

1楽章は分かりにくい楽章です。何度も演奏しましたが、これが果たして名作なのだろうかと疑ったこともあります。演奏するうちによくわからなくなってくるのです。いろいろ考えてみて一応まとまったので書いてみます。

 

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スコアの使い方(3)

スコアを見ながら曲を聴いたり、アドマエストロで振れるようになったとして、次に何をするのでしょうか?全体の構造を把握するというを行ってゆきます。「自分がどこで何をしてるんだろう」という投稿も併せてお読みください。 アイネクライネでいうと、提示部は55小節までです。展開部は75小節までです。再現部は76小節から131節までです。コーダは132小節から最後までです。
 

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Violin Duo

ヴァイオリン・デュオの楽しみ

デュオというのはポピュラーなようで、じつはあまり知られていないアンサンブルの分野ではないかと思います。とくにヴァイオリン・デュオというのは先生と演奏した想い出はあるのでしょうが、どのような曲があって、本当はどんな曲なのかということは案外知られてないようです。

 

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演奏会をやるときにどのくらい練習するか?

昨日、川口市鳩ケ谷市民センターで演奏会を開きました。プログラムは下記です。

Handel Concerto Grosso in G major OP.6-1 HWV319
Vivaldi Concerto for 2 Cellos in G-minor RV531
Dvorak String Quintet in E-flat Op.97
Mozart Quintet in E flat for Piano and Winds, K452 (String Version)

私共のグループは忙しい人が多くて練習の機会がとても少ないのですが、2か月に1回のペースで定期演奏会を続けております。
余程うまいグループかというと、そんなことは全くありません。5年くらいで49回の演奏実績が独特な練習法を編み出したのです。
 

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Vivaldi 2台のチェロのための協奏曲 Rv.

今日の演奏会で首題のチェロ奏曲を取り上げました。Vn1,Vn2,Va,Vcについて各1プルトで計画しましたが、ヴァイオリンを各2プルとぐらいは用意すべきでした。理由は独奏チェロ2台と通奏低音チェロ、それにチェンバロとバスが低音部を一緒に演奏するため、これに対抗するためにヴァイオリンをしっかり配置しなければいけないということです。

この曲は、意外に客に対するアピール力があります。お客さまの評判をとてもよかったのです。

 

 

 

 

弦楽四重奏のファーストヴァイオリンを育てる(2)

今日はドヴォルザークの弦楽五重奏の練習をしました。明日が演奏会です。

私はこの組み合わせでは2Vnを弾いているのですが、面白いことに気が付きました。ファーストヴァイオリンはプレーヤーである以外に、指揮者としての側面と、トレーナーとしての側面があります。指揮者は演奏解釈(Interpretation)です。そして楽譜通りの演奏(Notationの再現)です。もちろん両方共がしっかりしていなければうまくゆきません。Interpretationは演奏に必要な主観の部分であり、Notation通りに演奏することは客観的な部分です。
 

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