演奏を行うものとしては、その作曲家がどのような発想記号を使用したかを把握しておく必要があります。それでモーツァルトの弦楽四重奏について
下記のようなリストを作ってみました。初期の作品は当時の普通の記譜形式ですが、中期のK.387「春」からはとても強弱記号が複雑になってきます。
全体の傾向を見ますと、全体の音量よりも、中間の強弱にだんだん関心を持ってゆくのがわかります。特に一つの音符に作用するｓｆ、ｆｐ、ｍｆｐを細かく使い分けている様子は、彼がどのような音楽をを求めたかを知る手掛かりになります。

下記のデータはベーレンライター社の原典版スコア（TP318, TP140)を使用しました。
表の下にいくつかの楽譜をつけました。

モーツァルトが弦楽四重奏でたった１回だけ使っている、松葉のdecrescendoです。K387 「春」の第１楽章です。実はＭｏｚａｒtはK4428で初めてdecrec,を使います。dim.という書き方はしていません。
弦楽四重奏で１回だけ使用されたフォルテっシモです。Es-dur のK.428のメヌエットの中に出てきます。やむなくこうなってしまったようで面白いですね。

次はk,465　「不協和音」の１楽章のAdagioの最後の部分です。見えにくいので実際の楽譜にあたっていただきたいのですが、１８小節はｓｆが使われてそれからsfp, 最後はfpです。ここは少し合わせにくいところなので無事通過しただけで安心しているかとも多いと思いますが、ぜひ音のイメージを膨らませて、弦楽四重奏おメンバーと話し合いをして、演奏に反映させていただきたいと思います。

もう一つ参考例を挙げておきたいと思います。

K.421 d-moll の終楽章です。８９小節からのヴィオラの音をVn1,Vn2,Vcが受け止めるのですが、Vn1 sfp, Vn2 sf, Va fp, Vc sfと書かれています。
なんとなくわかるようなわからないような、しかし演奏は１回しかできませんから、どのように演奏するかは、あなたの主観で一つに決めなければなりません。このようなところが演奏解釈の面白いところです。

モーツァルトやベートーヴェン、ハイドンも含めてアクセント記号の　＞　を使っていません。声楽曲を調べたことはないのですが、器楽曲については一度も使ったことがないと思います。しかしシューベルトの楽譜を見ると沢山　＞　が使用されています。例えば下記のイ短調の弦楽四重奏曲です。

シューベルトが＞を使い始めたとは思えませんので、彼がピアノ五重奏曲「鱒」を書くきっかけになったJohan Nepomuk Humme（１７７８－１８３７）lはどうだろうと思いました。Hummelの五重奏曲にもたくさん＞がありますが、手書

確かに使われています。さてそれではHummelの先生は誰でしょう。　実はHummelはＭｏｚａｒｔの家に８歳の時から２年間住み込みでピアノを習っています。彼は1793年にウィーンに戻り、アルブレヒツベルガーに対位法、サリエリに声楽作品、ハイドンにオルガンを学び、またベートーヴェンと親交を結んでいます。サリエリの楽譜はよく調べていませんが、ウィーン古典派と同様　＞ は声楽パートにも使っていないようです。

＞が使用されてから、古典派がアクセントとして使用したfzなどとの混同が始まり、fzの意味合いが変わってきてしまったのではないかと思います。
この意味で演奏解釈上も　＞　はなかなか興味があります。

発想記号をいろいろ調べているうちに、たまたまボッケリーニの弦楽五重奏の楽譜をＩＭＳＰＬで見つけました。
初期のMozartに似ていますが、いろいろ違いますね。

使用されている発想記号は下記です。

F.mo F. pocoF. P. P.mo
R. cresc. Tr, Piano, et tenute  cresc.  Sul ponticello  でした。

面白いのはＲでリタルダンドですが、対応するa tempoは書かれておりません。cresc. に対応する　dim.もありません。

調査した曲は下記のVn1パートです。

1. Quintet in B-flat major, G.271
2. Quintet in A major, G.272
3. Quintet in C major, G.273
4. Quintet in F minor, G.274
5. Quintet in E major, G.275
6. Quintet in D major, G.276

拍節感とリズム感のことは勉強したことがないのですが、連続した拍が、規則性を持つという説明には昔から違和感を持っています。

ルネッサンス期の音楽は全音符が分割されて２分音符が生まれ、さらに分割されて４分音符が生まれてゆきます。

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今年は冬剪定も自分でやることにしました。私は親から受け継いでひたすらバラの管理をしていただけで、バラについての薀蓄がありません。自分の育てているバラの名前さえすぐにわからないぐらいです。ただ作業しているだけでも結構きれいな花は咲くものです。ところが去年は出張があったり、天候の異変、仕事の忙しさが重なって、大失敗をしてしまいました。今年が例年のようにゆくかどうかわかりませんが、しっかりやろうと思っています。

演奏解釈というと皆さんが敬遠します。でも演奏解釈ってなにかなって考えると、音楽を演奏する人にとって避けて通れないことだということがわかります。音楽作品は楽譜という形で生み出され記録されてゆきます。しかし楽譜は音楽ではありませんから、完全に記述することができません。だから楽譜を音楽にするという作業には、いろいろ決定しなければならないことがあり、これが演奏解釈です。

英語ではInterpretationといいますが、劇や音楽上の意味としては、（自己の解釈に基づく）役作り、演出、演奏ということであり、けっして客観的なものではありません。

楽曲分析というのもあり。こちらはアナリーゼとも呼ばれていますが、これはかなり客観性の高いもので、作曲学的な分析なのですが、分析でしかありません。ですから演奏解釈を行うための一つの道具にすぎず、これを尊重しなければならないということはないと思います。

たとえば、バッハの平均律１番のフーガにしても、この曲が素晴らしい密集型のフーガであることは知っておく必要がありますが、これがテーマですよとテーマが出てくるたびに強調されたら、全体として音楽的ではなくなりますね。といって、歌い始めたテーマが途中でブチ切れるような演奏したらこれもいただけません。

演奏解釈ができたという意味は、ほかの人から、ここはどう弾くの？と聞かれたときに、私はこう弾くのが良いと思っている、またはこのように弾きたいと答えられることです。自分が扱う音楽のスコアのすべての部分について明確に答えられれば良いのです。

１６小節くらいの曲でしたら感覚だけで演奏解釈は可能だと思いますが、数百小節の楽曲になると感覚だけでは無理でしょう。このブログの一つの目的である演奏解釈は、これを読んでいただいているあなたが、自分らしい演奏解釈ができるようになるお手伝いをすることにあり、いろいろなツールを提案してゆきたいと思います。私の演奏解釈を押し付けるようなことを目的にはしておりません。

とにかく練習を始めました。ＶｉｖａｌｄｉのBf,Fg.Bcのトリオソナタをさらっていますが、バロックファゴットは右手の手の位置をサポートするものがないので、楽器がとても不安定です。特に目標を決めたわけではなく、疲れるまで吹いていれば、何とかなるだろうと気軽に続けています。音は？風邪を引いた豚みたいというと、豚に失礼です。

このＢｌｏｇの体裁を整えようと頑張っていますが、いろいろバグなどがあってまだ時間がかかります。一昨日気が付いたのですが、ヴァイオリンの弓の毛が激減しておりました、昨日毛替えをしてきましたが、３週間ぐらいほとんどヴァイオリンに触っていなかったのですが、たくさん一度に抜けた覚えもありませんし、抜け落ちた毛もケースの中に残っておりません。カツオブシムシでしょうか？狐につままれた感じです。